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Prométeme una batalla

02 septiembre 2011



Gil Scott-Heron - Me And The Devil


Temprano esta mañana
cuando golpeaste
a mi puerta
dije
hola Satanás
creo que es hora de irse
Yo y el Diablo
caminando lado a lado
y voy a ver a mi mujer
hasta quedar satisfecho
mira mira
no ves por qué
como un perro que está alrededor mío
debe ser ese viejo viejo espíritu maligno
Ese espíritu que me entierra en tu tierra
tú puedes
enterrar mi cuerpo
por el lado de la autopista
no me importa donde me entierren cuando me haya ido
me fuí
tú puedes enterrar mi cuerpo
por el lado de la autopista
así mi viejo espíritu maligno
puede conseguir un autobús
Greyhound que ande


Parado
en las ruinas de otra vida de hombre negro
o volando a través del valle
separando el día y la noche
yo soy la Muerte,
gritó el buitre,
para la gente de la luz
Caronte trajo su barca
desde el mar que navega sobre las almas
y vi la salida del tesoro
tomando corazones calientes para el frío
sabía que el gueto era un refugio
para la criatura más humilde criatura que ha conocido
en un área salvaje de corazones rotos
en un desierto de la desesperación
trompeta del Diablo de justicia
vocifera un grito de terror desnudo
tomando bebés de sus madres
dejando dolor más allá de toda comparación
así que si ves al buitre que viene
volando en círculos en tu mente
recuerda que no hay que escapar
para que él te siga de cerca.


Sólo prométeme una batalla
una batalla
para tu alma y tu mente
y la mía
y la mía.


Early this morning / When you knocked / Upon my door (2x) / An I say / Hello Satan / I believe it’s time to go / Me and the Devil / Walking side by side (2x) / And I’m gonna see my woman / ’Til I get satisfied / See See / You don’t see why / Like you’a dog me ’round / It must be that old old evil spirit / That spirit drop me down in your ground / You may / Bury my body / Down by the highway side / I don’t really care where you / bury me when I’m gone / I’m gone / You may bury my body / Down by the highway side / So my old evil spirit / Can greyhound / Bus that ride // Standing / In the ruins of another black mans life / Or flying through the valley / Separating day and night / I am Death, / Cried the Vulture, / For the people of the light / Caron brought his raft / From the sea that sails on souls / And I saw the scavenger departing / Taking warm hearts to the cold / He knew the ghetto was a haven / For the meanest creature ever known / In a wilderness of heart break / In a desert of despair / Evil’s clarion of justice / Shrieks a cry of naked terror / Taking babies from their mamas / Leaving grief beyond compare / So if you see the vulture coming / Flying circles in your mind / Remember their is no escaping / For he will follow close behind // Only promise me a battle / A battle / For your soul and mind / And mine / And mine


Gilbert “Gil” Scott-Heron nació el 1 de abril de 1949 en Chicago, Illinois, EEUU y murió el 27 de mayo de 2011 en New York.

San Pedro

04 abril 2011

Mogwai, San Pedro. Canción y video, cien por cien klamahánicos. 
Del disco Hardcore will never die, but you will (Sub Pop). 
Dirigido por Antony Crook. 
Para comenzar el lunes rockeando.


A los que se quedaron dormidos en el nunca

28 marzo 2011


A los que se quedaron dormidos en el nunca,
a los que sueñan sus verdades y se las niegan,
a los que tienen mucho miedo
y lloran por cualquier cosa
y se ocultan la cara de vergüenza.
A los tímidos,
a los solos, a los raros,
a los que dudan y dudan
y les llaman inmaduros, débiles.
A los que duermen en la fría cama del psiquiátrico,
a las madres que cogen la mano de su hijo ingresado.
Os digo: que no nos vendan verdades, que la verdad no existe.
La Verdad y la Razón son creaciones del ser humano,
para doler, para medir.
Hay que luchar contra el silencio y la ignorancia,
no somos enfermos.
¿Quién tiene la verdad absoluta, la realidad absoluta?
¡Que la muestre, que la enseñe si puede!
¡Es mentira, mentira, no existe!
A los que llevan cicatrices por haberse rajado las venas,
a los que consiguieron no rajárselas.
A los que están paralizados de angustia,
paralizados para ser, amar, soñar.
A los que llaman vagos, idiotas, locos, débiles.
No escuchéis la voz de los que viven sólo para tener.
A los que por ansiedad fuman dos paquetes diarios.
A los que no son sociables, ni aptos, ni lúcidos,
ni extrovertidos, ni empáticos, ni asertivos, ni normales.
A los que nunca superarán un test psicotécnico,
a los que llevan medicación en el bolso y el monedero vacío,
a los que están atados ahora a una cama y no nos oyen.
A los psiquiatras que abrazan a sus pacientes
y pidieron alguna vez consejo al que llamaron esquizofrénico.
A los que tenemos certificado de disminución
y leemos a Lorca y a Nietzsche y lo que haga falta.
A los que no soportaron el túnel y se fueron para siempre,
a los que atravesamos cada día el túnel
agarrados aunque sea a las paredes negras.
A todos los que saben o quieren escucharnos
y no se fían sólo de los manuales, libros, tesis,
estudios y estadísticas.
A los psicólogos que dan besos.
A los que ya hemos transitado por el infierno y el cielo
y no queremos volver más allí.
Y sobre todo,
a todas esas pupilas dilatadas de tanta química
que miran aturdidas y absortas
pero tienen la luz más hermosa.
A todos os digo:
«No existe la locura sino gente que sueña despierta». 

Fragmento del libro La mujer-precipicio, de Princesa Inca.
Fuente: Escrito en el viento, de José Angel Barrueco.

Un baile con la muerte

28 febrero 2011

"A veces el destino es como una tormenta de arena que no se detiene. Quieres alejarte, pero te persigue. Entonces cambias de dirección pero la tormenta siempre sabe cómo encontrarte.
Una y otra vez juegas a esto, como en un baile con la muerte antes del amanecer. Esta tormenta no es algo que venga de lejos, algo que no tiene que ver contigo. Esta tormenta eres tú, algo dentro de ti.
Asique todo lo que puedes hacer es dar un paso y meterte de lleno en ella. No lo dudes. Te cortará la carne. La gente va a sangrar ahí dentro… y tú también lo harás. Tomarás esa sangre con tus manos, la tuya propia y la de los demás.
Y una vez que la tormenta se haya ido, no te acordarás de cómo hiciste para sobrevivir. Pero una cosa es cierta: al salir de la tormenta, tu vida nunca volverá a ser la misma."

Biutiful debió ganar una estatuilla, pero no sucedió. Su director, Alejandro González Iñárritu, dejó una pauta de que podía ser así.


“Podría parecer paradójico que los Estados Unidos, el país que quizá edificará un muro para que los mexicanos no crucen la frontera, haya nominado al Oscar a Biutiful, una película que habla sobre las migraciones. Una gran parte de los norteamericanos piensa de una manera más liberal y más justa, pero otra gran parte es de extrema derecha. La comunidad de cineastas de Estados Unidos, en general, pertence al primer grupo: promueve formas, pensamiento.”

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Biutiful - tráiler en castellano
Mira más videos de TV y películas.

Fiebre

18 febrero 2011

tal vez sea tiempo de levantar mi pesada vagancia y poner la máquina en marcha
ningún tren va a ningún lado en estas condiciones


el lenguaje
las palabras
los climas
los sentidos
las miradas
las ideas
las imágenes
las películas
las historias
las canciones
y todas esas delgadas líneas
que sostienen mi corazón
          /al borde de la fiebre
simplemente regresan
están de vuelta
zumbando como moscas


klamahama otra vez
la misma porquería de siempre
lo siento

La poesía es eso que va a seguir vivo cuando vos mueras

24 septiembre 2010

Nota del editor: es la primera vez que (re)publico un post ajeno sin editar ni interferir. Lo hago porque así lo encontré y me haría feliz saber que un viernes apático como éste alguien más cree que detrás de las palabras se esconde un poder que no nos pertenece y que a veces nos baja como un rayo para mantenernos a flote. Sean felices, lean poesía.


"The poetry that is going to matter after you are dead". Así se llama un poema de Dorothea Lasky que es increíble, y pertenece a su libro Black Life. Tuve que hacer un ejercicio que constaba medio en traducirlo, medio en hacer una versión libre. Mi versión es casi igual a la original, sólo que ella habla de Sylvia Plath y de Dios y yo hablo de Dorothea Lasky y de otras cosas en esos lugares, y además pongo algunos términos bastante locales. Bueno, ahí va, si lo leen en voz alta tiene más fuerza:


Dorothea Lasky es una de mis nuevas poetas favoritas. Ella no es sólo una poeta moderna y contemporánea norteamericana, es una poeta que considera tanto sus sentimientos como los tuyos y los míos. Toma todo lo jodido que le pasa en la vida. Pero a quién le importa? Todos padecemos cosas, y eso Siempre tiene que ver con la poesía. Vos escuchaste alguna vez poesía actual norteamericana? Hay gente que odia a los yankis, los culpan de todos los males del mundo y los acusan de irracionales. Pero en esta tierra, los únicos que no razonan son los perros, y ese es el tipo de bicho que yo amo. Vos sos mejor que yo? Vos ahora estás leyendo la obra de una poeta nueva, y probablemente sea una de las mejores de estos tiempos. Y si ahora estoy parada delante tuyo, estás escuchando la voz de una de las mejores poetas de tu generación. Te vas a tomar el tiempo para analizar mi grandeza? No creo que tengas que molestarte en hacerlo. Yo soy poeta moderna y sudamericana, pero toda la poesía está bien hoy en día, sin importar de donde sea; es una combinación de modernismo, amor, ética y fe. Anotá: toda sensación es materia prima para escribir poesía. Podés refutarme eso o negarlo, si estás vacío. Y podés pelear contra lo que sentís y escudarte en frases divertidas para no hablar de eso. Mirate al espejo. Antes eras un nene y también vas a ser un viejo. Cuando estés en la tumba, todo lo que vas a poder decir es “mami”. Vas a morir, lo sabés, y yo también. Así es la cosa. Naciste para morirte. Entonces, agarrá todo eso con lo que creés que no podés escribir poesía y escribí algo. Andá hasta el chino y comprá un par de cosas para comer. Sentate solo y pensá cómo es todo, pero cómo es posta. Hay un millón de fluidos celulares corriendo por tus venas. A la tierra la atraviesan apurados miles de ríos. Lo único en que creer, lo único que te puede contener, es la fe en Eso que sentís cada vez que respirás. Cuando le das un significado a Eso dejás entrar la paz, y dejás de ser. Leé a Dorothea Lasky. Puta madre, leela. Es una mujer que vos aprobarías, que aprobaría tu novio, tus amigas, tu gato. Cuando estés dando tu último respiro, todos nosotros vamos a estar nadando a lo largo del río. Habrá chicos jugando alrededor, y ellos sabrán más de lo que nunca supimos ninguno de nosotros.


"Hablarás cuando mueras" un post de Ceci en su blog Pensé que te gustaba.

Arder en el invierno

21 septiembre 2010


11. KILÓMETROS


Habrá una desdicha cuando me llegue el día y tenga que sentarme a esperar: cuando me quede quieto por falta de combustible: sin pilas y fuera de borda. Mientras tanto viajo por los países pobres. Lluvias por la ventana cuyo vidrio se empaña con las bocanadas del sueño. Y viajo. Y avanzo. Recorro zonas marginales y voy descubriendo que ahí está la verdad. Qué delicia desenterrar lo invisible. Los pobres son los que le dan identidad a las regiones, a las banderas y a los escuditos rodeados de laureles municipales. Porque los ricos son iguales en todas partes, sean éstos de donde sean. Siempre. Usan las mismas marcas de ropa o zapatos y compran sus relojes en las mismas colmenas. Beben los mismos vinos. Fuman el mismo tabaco. Frecuentan los mismos gimnasios y las mismas discotecas y las mismas avenidas o playas. Son idénticos calcados, copiados y hasta pobremente plagiados por algunos pobres descarriados que intentan mal huir de su preciosa condición. Porque los pobres son la verdad y todo lo demás es mascarita. Agujas y elefantes. Mate amargo, yerba al sol. Ilusiones al sol. Los pobres hacen las sillas donde se sentarán los ricos. Hacen las casas de los ricos: sus adornos, sus estufas, sus paredes y sus cimientos. Los pobres asfaltan las rutas para que transiten mejor los coches de los ricos. Los pobres hacen el pan, ordeñan las vacas las cabras las ovejas: trabajan la tierra (sea ésta para sembrar o recalificar). Y los votan: gobiernan los ricos porque los pobres quieren que eso ocurra. Qué desdichado seré cuando tenga que sentarme a esperar. Cuando me quede quieto, varado en medio del charco. Cuando ya no viaje con una mochila por las regiones bárbaras, donde la gente vive a cara descubierta y su única desgracia es ser inmensamente libre.



Fragmento de Arder en el invierno, de Marcelo Luján


Vía Escrito en el viento

Dumbo, el Hombre Cacto y la Santa Mujer Regadera

26 agosto 2010





Investigación, textos y entrevista: Ariel Martínez | arielmartinez.kh@gmail.com
Fotos: Javier Javierjavier, Martín Iriarte, María del Valle Moreno, Guadavela, Dumbo
Video: Pablo Painenao-Dumbo


Y un día la multitud se cuestionó:


¿Quién es Dumbo?
¿Quién es el Hombre Cacto?
¿Son la misma persona?
¿Es un feligrés descarriado pidiendo redención?
¿Y quién es la Santa Mujer Regadera?
¿Riega con agua bendita?







CORAZONES EN LLAMAS


La mayoría de las personas que circula por las calles (en éste caso de Cipolletti, pero aplica a cualquier ciudad del mundo) no mira las intervenciones artísticas que aparecen y desaparecen con frecuencia de las paredes. La gente simplemente pasa de ellas. No les presta atención. O incluso peor: para muchos, sus autores representan algún tipo de peligro. Nunca voy a entender esta postura, pero es real.
Sin embargo, un cierto efecto positivo, derivado de un mix de culturas canalizadas a través de los jóvenes (la publicidad, el rock, el hip-hop, deportes urbanos como el skate y el parkour, el grafitti y otras expresiones artísticas), atraviesa a las nuevas generaciones y logra que se conecten con las obras y con los artistas de la calle de una manera directa. Es así como el esquema emisor/mensaje/receptor termina por completarse.
De alguna manera, aquella semilla filosofal sesentista que rezaba "open your mind" parece haber germinado. Quien abra la mente -y los ojos- accederá a un extraordinario rosario de mensajes visuales que, en contadas ocasiones, como en el caso de Dumbo, alcanza el grado de obra artística.
¿Quién es Dumbo?, dirán los lectores.
Dumbo es un artista emergente nacido en Cipolletti, Río Negro, ocupado en intervenir las paredes de la ciudad con un combo de mensajes simples y reales acerca de su particular versión del amor en los tiempos de Facebook y la necesidad de proteger nuestra casa Tierra. Un creador que deliberadamente oculta su identidad para inyectarle un poco más de misterio a sus obras, ya de por si enigmáticas. Y preservarse, por otro lado, para futuras exposiciones de mayor filo y tajo profundo.
Hace seis meses la mirada atenta de María del Valle del blog OJOS BRUJOS vió por primera vez y fotografió las intervenciones. No teníamos idea de quien era el autor de esas marvillosas y extrañas figuras con cabezas de maceta y regadera.
Cuando finalmente lo conocimos –fue Ana del blog CIPO URBANO quien nos facilitó el mail– no quisimos ocultarle la alta satisfacción que nos produce a) tener en las calles de la ciudad esos fragmentos de ingenio y belleza estallando desde las paredes como brillantes signos de pregunta y b) un artista con su evidente talento ofreciendo pequeñas gemas de arte que narran, en definitiva, una historia de amor.
Así comenzó todo esto. Después trabajamos un mes entero –en contacto con Dumbo– para publicar los contenidos de éste artículo multimedia. En estas últimas semanas, siempre con el preacuerdo de no dar a conocer su identidad, Dumbo se prestó a numerosos intercambios vía chat y mail que aprovechamos para conocer su arte y su pensamiento. Nos invitó a presenciar y documentar sus últimas intervenciones. Hicimos la entrevista que podés leer más abajo. Nos entregó un dvd con más de 600 fotografías!!! (en las que no se puede ver su rostro), además del video que acompaña este texto.
Días después, y misteriosamente, acorde a su obra, el joven Dumbo se esfumó.
En teoría está viviendo en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires, pero ese es un dato que aún no pudimos confirmar. Fuentes cercanas a éste blog nos indican que estaría en perfecto estado de salud, asaltando paredones porteños y con un séquito de fieles devotos de la Santa Mujer Regadera orando por su regreso a Cipolletti.


Amén.





Foto: Martín Iriarte





DUMBO: LA ENTREVISTA


¿Quién es el artista detrás de Dumbo? 
Mi nombre por ahora lo dejamos en secreto... sólo Dumbo. Tengo 22 años recién cumplidos. Nací en Cipo y viví acá toda la vida...salvo medio añito que nos fuimos con la familia a Buenos Aires, cuando tenia 9 años.


¿Tenés una familia de artistas?
No es una familia de artistas, pero sí de gente muy creativa, y que nos incentivaron mucho y nos dejaron hacer (somos 5 hermanos). Mi hermano más grande es músico, el que me sigue a mi se enganchó ahora con el grafitti y es excelente escritor, aunque ahora abandonó un poco. Después tengo una hermana que hace danza y las más chica dibuja mucho y se las rebusca con mucho ingenio para joder (risas). Así que si ahora que lo pienso en cierta manera es familia de artistas, pero de diferentes ramas.


¿Porqué elegís llamarte Dumbo?
El nombre lo elegí porque es un reciclaje de cosas viejas. Así me decían para molestarme en la primaria por las orejas. Ahora que ya no tengo complejo y me creció la cabeza pude adoptarlo como seudónimo.


Foto: Javier Javier


Además del seudónimo, en tu cuenta de Facebook publicás fotos personales tapando tu rostro con el cacto. Eso recorre el camino inverso a cualquier artista que toma distancia de su obra. Acá el Artista también es la Obra. Incluso vas más allá: tu novia –a quien por otra parte vemos trabajando con vos en las intervenciones– es parte de la obra como Mujer Regadera (ahora, además, Santa). Si la idea es crear interrogantes... es perfecta!
Bueno, antes que nada creo que muchos artistas (gracias por el título) son inseparables de su obra. Bastaría mirar cualquier artista que realice performance, o incluso los viejos autorretratos (también los nuevos). La idea del seudónimo y de ocultarme, en principio era un juego, para poder trabajar tranquilo y no preocuparme por donde pego un papel, o que pared estoy pintando. Después creo que agrega cierto elemento de misterio que es divertido, y ayuda también a bajar el ego. Es como un concepto, las obras las hizo Dumbo pero a veces Dumbo soy yo solo y otras somos todos los que dieron una mano para que la obra pueda realizarse.


Foto: Dumbo


Las fotos de Facebook tienen que ver un poco con la idea de generar un álbum de fotos de una vida cotidiana que pueden tener estos personajes, ayuda a llevarlos a un plano más real todavía. Cuando entrás a un Facebook a ver las fotos de "X" persona, bueno acá entrás a ver que hizo el Hombre Planta en el verano…era un poco ese juego. En cuanto a las intervenciones, mezclan mucho de mi mundo privado, creo que en parte eso las hace interesantes.




¿Las obras son ideas sólo tuyas o intervienen más personas?
Son ideas mías, pero siempre se aceptan aportes de otros, mucha influencia de las imágenes que se ven día a día, que aunque uno no se de cuenta siempre aparecen en la obra. Por la inspiración, si le podemos dar el crédito a otros (risas).
Foto: Javier Javier


Como habrás visto mientras laburaba, no me molesta aceptar comentarios de otros que puedan enriquecer la obra, de hecho, cuando estoy haciendo, soy de preguntar mucho por opiniones, o críticas. Pero sí, digamos que las ideas son mías.


¿Cómo llamás a tu técnica y en que consiste?
La técnica es una mezcla, son electrografías (fotocopias) impresas a gran escala. La manera de hacer mural con papel tiene un nombre que no recuerdo, a eso ahora le estoy sumando sectores de la obra trabajados con stencil, pintura, tintas, marcadores…bastante mixta. En realidad la técnica varía de acuerdo a la obra y no al revés. El trabajo en papel que es la base, consiste en un fotomontaje digital que lugo imprimo en mosaico a tamaño natural. Eso queda en hojas tamaño A4 que recorto y pego como un gran rompecabezas.


Elegir una técnica efímera, que se deteriora incluso con el clima, debe tener para vos un significado. ¿Cuál es?
Tiene mucho que ver con generar algo dinámico, que se presta a una interacción directa con quien recibe la obra, y que vive en el dinamismo propio de una ciudad (a pesar de ser Cipolletti una ciudad pequeña). También, las imágenes que genero pretenden ser pequeñas postales de la vida de los personajes, y esos estados cambian, entonces no me interesa generar imágenes fijas. Además me pasa que con el tiempo me suelen cansar, así que está bueno que no sean eternas.


Foto: Guada Vela

Estabas estudiando en el Alto Valle y ahora te vas a Buenos Aires. ¿Cuáles son tus próximos pasos?
Voy a terminar la carrera de Licenciatura en Artes Visuales con orientación en Pintura (que nombre!) que estoy haciendo en Cipolletti desde el 2007, con la idea de poder hacer cursos y talleres para seguir ampliando el conocimiento, y si dios quiere probar con galerías, contactar gente, intervenir en la calle y bueno allá también me espera la Mujer Regadera.


Que menciones a las galerías es interesante. Creía que una de las raíces del arte urbano era cierta disconformidad con la exhibición elitista del arte puertas adentro (aunque también es cierto que ya hay quienes trasladaron sus intervenciones y los venden por miles de dólares en las galerías más famosas).
Dos preguntas al respecto: ¿Se arriesga el artista a perder en el traspaso esa magia que rodea al arte urbano, esa mezcla única de componentes: inmediatez, interacción con miles de personas anónimas como el autor, cuasi-vandalismo, desprejuicio y torrentes de adrenalina fluyendo por estar creando en la calle, sin redes que contengan errores ni seguridad posible? ¿Exhibir en las galerías es sólo un paso más para vivir de tus obras o es la meta deseada?
Lo de las galerías es porque también en paralelo tengo una obra personal, tal vez más tradicional, que no es la que sale a la calle. Pero no tendría problema en que estos trabajos urbanos se adapten a un lugar cerrado. Creo que la finalidad última es poder seguir haciendo lo que a uno le gusta, y lamentablemente la manera es generando algún ingreso que lo permita. Y en el fondo esto no atenta contra la obra, yo soy consciente que lo que hacés en la calle tiene otra vida, otro significado, y puede ser más rico en cuanto a la amplitud del público, pero no es una traición el hacerlo en una galería. Es como cuando uno se enoja con su músico favorito del under porque está facturando mucho y "traiciona" lo que nos gustaba de él. El mundo está planteado en esos términos, y si es la manera para poder vivir de lo que a uno le gusta y seguir produciendo y no va contra la base misma de la obra o de la persona (o se es consciente de que sí), no veo porque no. El juego de los museos de meter paredones adentro para que se hagan grafittis me parece un poco ridículo, pero el que hace el ridículo es el museo o las instituciones formales del arte, los artistas se cagarán de risa...no se si contesto a las preguntas. Ademas hay una cuestión social de que a nadie le molesta que un abogado se llene de guita, pero el artista tiene que permanecer inmaculado aunque se muera de hambre o tenga que estar como Osvaldo (si no lo conocés buscalo, que es un genio, un artista urbano de Buenos Aires que es taxista e interviene publicidades con una ironía y genialidad increíble, en I-Sat, dieron un documental) laburando en un taxi para poder seguir haciendo lo que le gusta.


Foto: Dumbo

Bueno, nos pondremos al tanto de Osvaldo. ¿Cuándo te diste cuenta que te interesaba expresarte con el arte y no, por ejemplo, con la política?
No me acuerdo donde, alguien dijo que nunca había dejado de pintar. ¿Viste que todos los chicos dibujan, después alguien les dice que lo hacen mal y dejan de hacerlo? Bueno yo desde que tengo memoria lo hago. Recuerdo empezar a ver que era lo que más me interesaba a los 16 años, cuando empecé a hacer talleres. Ahora no me imagino hacer otra cosa, es una movilización muy fuerte, que no creo poder llenar de otra manera...aunque sí soy un rockero frustrado (risas).
En cuanto a la política, a mi forma de ver, tenés que tener una vocación muy grande para dedicarte (o deberías tenerla). Sin embargo creo que el arte es una forma muy fuerte de hacer política y generar conciencia, no solo hay que ocupar un cargo, la política la hacemos todos...es un tema que me interesa mucho pero no llegó el momento de trabajarlo (creo), igual en reuniones de amigos soy de discutir mucho el tema.


UNA GUERRILLA MÁS DE LENNON QUE DEL CHE


¿Cuándo empezaste con el Hombre Cacto y la Mujer Regadera? ¿Es tu primera intervención en las calles o hiciste otras cosas antes?
Hice algunos pequeños laburos de stencil, pero por el tamaño de la ciudad creo que lo sentía muy limitado, te cruzás demasiadas veces con la misma imagen. En cuanto a los personajes, vienen en mi cabeza desde hace por lo menos tres años y pasaron por muchos formatos. Fueron evolucionando, un poco solos, dentro de mi obra (grabado, pintura, dibujo etc). Y finalmente encontré la intervención como una forma natural de convivencia con la ciudad, de que en cierta forma cobren vida.
La Mujer Regadera apareció hace dos años, y el Hombre Cacto (que antes era Hombre Planta), surgió este año, después de un viaje a Buenos Aires, en mayo si mal no recuerdo.

Foto: Dumbo

¿Qué te hizo redefinirlo en Buenos Aires como cacto?
Mmmm (duda)…asuntos personales (se ríe). Puedo decir que tuvo que ver con dos cualidades que rescate del cacto: una era la espina, y otra la capacidad de acumular agua y mantenerse con vida, y no digo más.


Foto: Javier Javier
Foto: Javier Javier
Foto: Javier Javier


En un chat me mandaste esta frase tuya sobre el Hombre Cacto y la Mujer Regadera: "La intención es llamar a la reflexión sobre las problemáticas ambientales y el calentamiento global. Una metáfora de las relaciones del hombre con el medio, de la modificación del medio por el hombre. Al mismo tiempo la obra toca el tema de las relaciones interpersonales, un romance moderno entre dos personajes imaginarios, que ocultan en si personas reales en las cuales se fundan".


También dijiste que te gusta "que la idea la terminen de cerrar los que ven la obra, que no quede muy servida en bandeja". ¿Cuanto podés contarnos sin llegar a robarle la magia a las obras?
Creo que esas frases resumen bastante, no me animo a contar mucho más. En realidad hay muchas lecturas posibles, sólo agregaría que muchas veces la obra es un reflejo muy fuerte de mi relación personal, y el espectador atento puede conocernos demasiado, y es bienvenido a contagiarse un poco. El trabajo tiene diferentes etapas, momentos más fuertes de guerrilla ecológica, y momentos en que es un poco un diario intimo abierto, por asi decirlo.


¿Esos momentos -guerrilla y diario- son trabajados a conciencia o se dan naturalmente?
Son procesos que en general se dan naturalmente, y después los termino analizando una vez concluida la obra y me doy cuenta de que fue así. Que se yo, pasaron catástrofes naturales terribles en lo que va del año, pero me sentí mas movilizado por cuestiones personales, que son las que de alguna manera reflejé en las obras. Es decir, son naturales en la medida en que trabajo desde un motor anímico que no es premeditado. Termina siendo como un aura que estuvo presente durante la producción y que fue lo que movilizó. Lo de guerrilla es más en cuanto a modo de ataque a la ciudad creo…y cierta actitud de ataque a la ciudad desde dos personajes que, creo, vienen a ofrecer su amor para un fin mayor (en principio el motor era una metáfora de la relación de destrucción con el medio que después fue mezclándose con situaciones personales). Una guerrilla más de Lennon que del Che, creo.
Foto: Javier Javier


Entiendo que tus personajes están evolucionando y ahora los metiste en un campo religioso. Siempre hay gente que se molesta cuando el arte se mete con la religión. ¿Eso te preocupa?
No, para nada! Es divertido. En realidad lo que más me interesaba de la imagen religiosa era la asociación directa que uno hace en el inconciente con esa imagen tan fuerte en la cultura occidental. Toda la iconografía religiosa (no solo cristiana) es muy fuerte y muy interesante para trabajar. Cuando surgió la idea del pasaje Hombre Planta a Hombre Cacto, el personaje mismo ya tenía cierto misticismo que me interesó reforzar por ese lado. Además me gusta la idea de bajar un poco los santos... En todo caso juega con la idea de una religión propia, así que nadie puede salir ofendido.
Foto: Martín Iriarte


¿Y cómo puede seguir en el futuro la saga del Hombre Cacto y la Mujer Regadera?
Es una gran incógnita (risas)... Lo próximo es que habiten en Buenos Aires y veremos que cosas pasan ahí. Me parece que puede ser un contraste interesante el cacto con la gran ciudad.

Directa o indirectamente, un artista siempre recibe respuestas a lo que expresa con su obra. ¿Cómo es en tu caso? ¿Qué esperabas que pasara? ¿La gente entendió el mensaje?
Mirá, la obra tuvo muy buena repercusión (sonríe Dumbo), de hecho por eso estamos haciendo esto, creo. Me llegaron comentarios de varios lados, incluso de gente que me lo comentaba sin saber que yo lo hacía, así que estoy muy contento. Creo que es resultado de haber tenido una visión global al abarcar toda la ciudad (o gran parte) y esto genera que al ir cruzándotelos te va generando cierta intriga. En realidad no se si esperaba mucho. La obra la hice un poco para mí y cuando terminé las primeras quedé muy contento de ver ese paso en que los personajes estaban ahí vivos, conviviendo con la ciudad. Creo que buscaba que la gente reflexione un poco y se lleve algo. Y aunque sea una duda se llevaron, así que por ese lado la obra cumple. En cuanto a las lecturas, hubo de todo tipo: gente que le pegó justo, gente que no entendió nada, y otros que hicieron lecturas mucho mas amplias de lo que yo había pensado, y eso es lo bueno, que cada uno se lleve lo que pueda y termine de cerrar la obra.


Foto: Martín Iriarte

Tus intervenciones también generan una dosis de alegría, como una buena energía. ¿Eso es también un objetivo de tus obras?
Nunca lo pensé, pero hay toda una carga de amor también en las obras, depende de las etapas pero calculo que un poco de eso se contagia. Creo que la primera etapa tenía imágenes más bien solitarias y desoladas, de búsqueda. La segunda etapa (en la que aparecen más juntos los personajes) sí transmite una alegría acorde al momento en que se hicieron (por ejemplo el baile a lo Pulp Fiction) y ésta tercera etapa creo que es mucho más alegre. Pero en el fondo creo que es algo que aflora, no algo premeditado.

Foto: María del Valle Moreno

Tus trabajos tienen muchos pequeños detalles (algunos ocultos), cuidás el resultado de cada centímetro de lo que estás dejando, algo que parece contradecir la teoría del arte rústico que se hace en las paredes. ¿Porqué?
Me pasó que después de analizar un poco lo que habia pasado con las intervenciones pasadas, me di cuenta que era interesante generar algún mecanismo por el que la obra vaya mutando, y que no se pierda completamente con el papel. Si bien la obra original muere, es interesante que quede cierta huella, una marca de que ahí pasó algo. Además me interesa que, a partir de ahora, el acto de arrancar y destruir la obra va a ser un acto de generar una imagen nueva, terminar un proceso. Por otro lado, no creo que la fugacidad de la obra deba tener un reflejo en la calidad de la misma. Si te fijas, los tipos más grosos de grafitti, o del arte urbano, hacen laburos increíbles dignos de cualquier museo, concientes de que puede durar sólo unas horas. Creo que se trata de entregar lo mejor posible, por el tiempo que dure. Además es una forma de que quien lo ve tenga un poco mas de compasión (risas).


Foto: Martín Iriarte





DUMBO CHAT EDIT



D: En mi Facebook tenés otras experiencias mías. Hay una obra de unos bloques de hielo que hice el año pasado, que en algún momento serán intervenciones. Eran plantas congeladas adentro de bloques de hielo que se van derritiendo mientras están expuestos. Eso lo quiero hacer en grande, pero bueno queda para más adelante.

AM: ¿Y lo expusiste en algun lado?
D: En la facultad y en la puerta de mi casa…





D: Ahí también tenés un cuadro de Lennon que juega con la imagen de Cristo.

AM: Ya estás fogueado mezclando arte y religión...
D: Si venía de antes, esas son las primeras imagenes del Cristo Pantocrator. Pero como te decia, es muy interesante el uso de la imagen en la religión. Ademas, en ese en particular, me interesaba rescatar la idea de que Cristo podría ser un hombre común con buenas ideas y cambiar el mundo, no es necesario que sea un ser divino. Asi como lo fue Lennon. Y el hecho de que no sea divino incluso es más interesante. Obviamente le quita el poder a la iglesia, pero bue… Pero entiendo que somos una cultura occidental y cristiana. Como que no podés negar eso.
Tengo otros trabajos con imagenes beatles/religiosas, pero no están terminados, tienen añitos de abandono, algún día volveré sobre ellos.






AM: ¿Te pasa de dejar mucho tiempo obras para terminar?
D: En general no, soy de arrancar y terminar, pero hay algunas que te trabás y tenés que dejarlas, a veces meses y otra años. Algunas no volvés más porque por ahí la largaste un tiempo y cuando vas a volver estás con otra onda. Y a mi me gusta que las obras sean reflejo de algun momento. Si voy con el estilo que tengo ahora, a las obras viejas las destrozo jajaja…además todavia voy variando en estilo, fijate la diferencia entre el Lennon, que es de hace dos años y el oso que es de este año…va en búsqueda todavía.

Piiiipp...(voz robótica)... Inserte una moneda de dos centavos y tendrá 30 segundos para agradecer a quien desee. Después, esta grabación se autodestruirá... piiiiiiiiipppp
Hacer estas intervenciones en las calles no siempre es fácil, a veces hay escaleras grandes y varios elementos que uso, algunas piezas de papel son muy grandes. Por eso quisiera agradecer a la gente que me acompañó y dio una mano cuando hizo falta. Gracias a todos. La Santa Mujer Regadera los tendrá en su gloria!!

Agosto es para cosas pequeñas


Demasiado frío en todo lados, demasiadas mentiras detrás del parte oficial, demasiadas muertes en las noticias de las ocho, demasiados virus, demasiada paranoia, demasiado hambre entre los niños.

No encuentro espacio para moverme más rápido. Serán pequeños pasos entonces.
Los ojos de mi hija así lo indican.

Despacio.

Pequeño.

/ Fragmento del libro Crónicas de un país llamado canciones, Ariel Martínez 2009.
http://issuu.com/klamahama/docs/cronicas_de_un_pais_canciones

Loriga, Chinaski y los destinos

13 agosto 2010

Hace algunos años, dos creo, alguien me ofreció la oportunidad de entrevistar a Charles Bukowski en su casa de Los Ángeles. No pude. Me asustó la idea de ponerme delante de un hombre a quien quería realmente sin que él tuviera ni la menor idea. Había algo ilegítimo en ello. Y sobre todo, me dio miedo que pudiera darse cuenta de todo lo que le había robado. Supongo que él sentía algo parecido cuando pasaba de puntillas por debajo de la pensión en la que había vivido John Fante. Todos los escritores reconocemos miles de influencias, pero siempre le tememos al verdadero padre. Ahora que ya casi no me queda nadie, muerto Bukowski y muerto Carver, tengo la obligación moral de abrir mi maleta y empezar a sacar de ella todos los trajes que no son míos. No para devolverlos, sino para enseñarlos con orgullo antes de robarlos para siempre.

La muerte es algo tan idiota que no merece mayor comentario. La ausencia es un sentimiento egoísta que presupone posesión y la sola idea de poseer a los tuyos es tan ridícula como necesaria. Morirse es la última tontería, la más grande, algo tan estúpido como que las cosas tengan que ser redondas para rodar. La muerte es innecesaria como todo lo inevitable. Ahora sé que la muerte de Bukowski no me hacía ninguna falta. Teniendo en cuenta que era uno de los escritores peor leídos de todos los tiempos no estaría de más hacerse una pregunta: ¿de qué coño escribía Bukowski?
La respuesta es sencilla y es siempre la misma cuando se trata de grandes escritores.
Bukowski sólo escribía acerca de lo que verdaderamente importa.
El amor o la falta de amor y el miedo a casi todo. El miedo a quedarte mirando las palmas de las manos cuando ya no queda nada.
El miedo a los destinos que conocerán los trenes cuando uno ya no esté dentro.


Ray Loriga / Días extraños, 1994



Vía Escrito en el viento
Ilustración: Print Mafia

Nick Gentry, pintura cyberpunk

05 agosto 2010


¿Se acuerdan de aquellos tiempos no tan lejanos en que trasladábamos nuestros archivos en disquetes, cuando no debíamos crear nada de más de dos megas? ¿Cómo hicimos para arreglamos durante tanto tiempo con esos  disquitos? Todavía tengo algunos que usábamos en nuestra primera Mac, algo absolutamente del siglo pasado. Ojalá pudiera ver lo que quedó adentro de esos cositos cuadrados de plástico, aunque sólo sea para quedarme tranquilo sabiendo que mis palabras evolucionaron de manera creativa.


El artista inglés Nick Gentry hace un buen uso de los disquetes integrándolos a sus pinturas. Es muy interesante su idea de utilizar los discos para representar a los seres humanos ya que todos nos vemos afectados de alguna manera por ser parte de la era digital.


Gentry explica en su web las razones que tiene para usar estos discos eliminados por todo el mundo:
" Montañas de disquetes, cintas VHS, polaroids y casettes. Esta combinación de soportes desempeñó un papel enorme en lo que aprendió acerca del mundo una generación que creció en los años 80 y 90. El mundo dependía de estos formatos físicos para almacenar imágenes, música, películas, documentos, juegos y grabaciones personales. Como los medios de comunicación se absorbieron rápidamente en la World Wide Web, a los formatos de medios físicos del pasado se los consideró obsoletos. Esto representa un gran cambio de distancia de los objetos del mundo real, conduciendo hacia una existencia humana, que es en última instancia regida por un sinnúmero de archivos de datos intangibles.



Todo tiene un ciclo de vida y con la tecnología hay un impulso incesante hacia lo desconocido en busca de nuevos y más eficientes productos. Desde su introducción en 1981, miles de millones de discos han sido fabricados y 30 años más tarde su producción está llegando a su fin. A pesar de su dominio anterior, estos objetos eventualmente se convertirán en artefactos raros. El disco se mantiene firme y sigue viviendo como una metáfora de la aceleración del ciclo de la vida moderna, la producción en serie y la cultura de usar y tirar de hoy.


Reutilizar objetos puede negar la necesidad de crear residuos, adoptando una nueva función que a menudo tiene más encanto que el de la original. Al ver el arte producido de esta forma se puede fomentar un enfoque más creativo para objetos cotidianos que se consideran obsoletos o inútiles. Lo que trae el concepto general a la vida es esa mezcla nostálgica y familiar, junto con la frescura de una nueva forma de expresión.


Como la información se libera del formato físico permite que los datos personales y las identidades sean reveladas y permanentemente compartidos en línea hasta un grado infinito. Al mismo tiempo, la individualidad y la privacidad son ahora consideradas como más valiosas que nunca. Ahora es común cultivar una segunda identidad on-line. A pesar de que esta cyber identidad puede ser exhaustiva en detalles, es una representación virtual en lugar de la cosa real y es, de alguna manera, creada por el individuo. Las pinturas replican este proceso de los discos, contienen una variedad de datos históricos, y juntos crean una nueva identidad.


La primera pieza de trabajo usando disquetes como lienzo era una imagen de una huella dactilar. Conectando los datos del mundo con la forma física humana, usando el tema de la identidad, aunque sea de una manera obvia. Los discos se utilizaron para crear una trama y al mismo tiempo construir rostros e identidades imaginarios que pueden establecer conexiones a la información personal almacenada en los discos.


Cada pieza se inicia con algunos bocetos de una persona imaginaria, o buscando imágenes de rostros. Las características de la cara son entonces asignada a una red, con cada sección del tamaño de un disco. Los discos se colocan en zonas tonalmente adecuadas (casi como píxeles) para crear un collage. Además de esto, el contorno de la cabeza y los detalles se dibujan con lápiz, con pintura de aceite para hacer hincapié en las características. Este proceso es bastante selectivo, sólo algunos sectores están totalmente terminados. El aspecto inacabado permite al espectador ver las capas, mostrando cómo el trabajo ha sido creado.


La información personal que existe dentro de cada disco es bloqueda para siempre debajo de la pintura. Sin embargo, misteriosamente se dejan ver algunas etiquetas escritas a mano en cada disco, dando una pista sobre lo que hay debajo. Esto es un reflejo de la cultura on-line donde la información se almacena de forma permanente, aunque con distintos niveles de acceso.


El círculo metálico del reverso del disco se usa como una metáfora visual para el ojo humano: como los ojos de una persona pueden revelar su identidad y sentimientos internos. En la película Blade Runner el test Voight-Kampff es utilizado para medir la reacción de los ojos a una serie de preguntas cuidadosamente seleccionadas con el fin de determinar si el sujeto es humano o androide. En las pinturas, la verdadera identidad del sujeto es desconocida y los ojos son a veces oscurecidos, para ofrecer, de alguna manera, un nivel de privacidad o protección.


La humanidad se integra con la tecnología a un ritmo exponencial. Esta unión ha venido ocurriendo a lo largo de la existencia humana, lo que lleva hoy a un punto de inflexión crucial en el proceso. La mayoría de las personas que ahora tienen un teléfono móvil, habitualmente lo llevan a todos lados. Teléfonos móviles que además pasaron por una transición hasta convertirse en computadoras, con una infinidad de funciones que se pueden personalizar para cada individuo. En la actualidad toda esta funcionalidad se encuentra en un dispositivo que está cerca, pero fuera del cuerpo. Si esto pasa a ser interno plantearía una cuestión fundamental de la identidad: ¿puede un ser humano seguir siendo considerado completamente como un ser orgánico?


Las pinturas buscan simplemente destacar este nuevo movimiento, a medida que se convierte, de manera cada vez más evidente, en una importante transición cultural y social de nuestro tiempo. ¿Serán los seres humanos para siempre compatibles con nuestra propia tecnología?"

DONACIONES
"Las pinturas están hechas de elementos reciclados, la vida y personalidad de estos objetos son una parte importante de cada obra. Si tenés disquetes viejos, cassettes VHS, o cualquier chatarra de este tipo, no dudes en enviarmelo. Intento utilizar los objetos que han llegado al final de su vida útil antes de buscar nuevos materiales. Tal vez tus cosas podrían estar en una galería en lugar de un relleno sanitario. Tu donación será muy apreciada, y siempre trato de devolver el favor." Por favor, enviá tus donaciones a...Nick Gentry, Flat 30 Cliff Court / Cliff Road / London / NW1 9AP / United Kingdom

* Traducción y adaptación: Ariel Martínez


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