Cansei de Ser Sexy, no se cansa de ser creativa

Son contadas las bandas de rock originarias de Brasil que alcanzaron notoriedad en Argentina. Y no por falta de talento, hay excelentes músicos en el país vecino. Pueden buscarse las razones en las cuestiones de mercado, en el idioma y en los gustos de la gente. Pero también, parte de la culpa la tienen los medios de comunicación, en general obsecuentes y funcionales a las corporaciones que estructuran y atomizan lo que les interesa vendernos. Los medios electrónicos y las redes sociales hicieron posible una apertura hacia nuevas propuestas, haciendo más directo el acceso de la gente a músicas diferentes y artistas que no hubieran sido conocidas de manera tradicional.

Desde Brasil, tierra caliente y rockera, se suma al Staff de Klamahama el periodista Leonardo Parente, quien promete mantenernos actualizados con artículos exclusivos para nuestro blog, acerca de la enorme, rica y creciente movida rocker de su país. El que sigue, dando cuenta del explosivo éxito de la agrupación Cansei de Ser Sexy, es su primer artículo. Brigado, Leo!

Escribe Leonardo Parente
/ Corresponsal en Brasil

“Diversión rebelde y una entretenida vuelta al pop art de principios de los años 80”, fue la descripción que el diario New York Times hizo de la banda brasilera Cansei de Ser Sexy, nombre que abreviaron como CSS buscando que el idioma no constituyera una dificultad para su identificación internacional. Creada en Sao Paulo a mediados de 2003, CSS ganó notoriedad en los escenarios mundiales, incluso antes de ser conocida en Brasil. La colaboración de una nutrida colectividad de amigos y creativos (diseñadores, bloggers, periodistas, músicos), los clubes underground y de una cosita llamada Internet, dieron un gran impulso a esta banda cuyas influencias pueden rastrearse en el rock, el pop, la música electrónica y otras expresiones artísticas, como el cine, los cómics, internet, el diseño y la moda.
Una imagen universal, original y extremadamente diferente, sumada a su gran talento, llamó la atención de los medios internacionales. En poco tiempo, CSS pasó a ser uno de los shows en vivo más esperados de Europa y Japón.
Su primera gran aparición pública fue en 2004, en el Festival TIM, cuando actuaron como banda soporte de Kraftwerk y 2 Many DJs, y al año siguiente, en el Festival Campari Rock, donde actuaron con los MC5 y The Kills.

"Las seis garotas superpoderosas de Cansei de Ser Sexy prometen un show bailable y desbocado. Una mezcla de punk rock y synth pop con pinceladas de vibrante electrónica" (del brochure promocional del TIM Festival, 2004)

Los conciertos agitaron al público que vibró con las canciones electro-rock bailables repletas de referencias sexuales fácilmente interpretadas por el público.
Su primer disco, llamado simplemente Cansei de Ser Sexy, fue lanzado en 2005 por el sello Trama y en 2006 firmaron con Sub Pop, cuna de bandas como Nirvana y Mudhoney para relanzar su disco en Estados Unidos, Europa y Japón.
La banda está actualmente integrada por Lovefoxxx, una paulista de 24 años que, después del vocalista de los Cansei…, es la más solicitada para la portada de la revistas británicas. Antes de cantar en CSS, Lovefoxxx trabajó como diseñadora de indumentaria para las marcas Triton y Forum. Fuera de la celebridad de la banda, el grupo cuenta con Adriano Cintra, multiinstrumentista y mentor de la banda, Luiza Sá en la batería y guitarra, Ana Rezende en guitarra y bajo y Carolina Parra, también guitarra y batería.
Hacia finales de 2007, la banda comenzó a trabajar en su tan esperado segundo álbum, anunciando a los cuatro vientos que no repetirían la fórmula del primero. Ellos buscaban innovar y hacer un show “más honesto”. Según Lovefoxxx, cuando produjeron el primer álbum no tenían grandes pretensiones y el disco fue pensado para ser escuchado en casa, y no para presentarlo en un concierto. “Tuvimos que adaptarlo para los shows. Y en Donkey queríamos hacer algo que pudiésemos tocar en vivo sin ningún problema”, afirma.
Según la leyenda, el segundo disco de una banda que explotó con el primero trabajo, normalmente es traumático por la expectativa de la crítica y del público. En el caso de Donkey no fue diferente: antes de salir ya había causado revuelo entre la crítica mundial, ya que la excelente producción fue confundida con un disco "comercial". Donkey es vigoroso, positivo y audaz, y realmente aquel sonido electrónico que mostraban en el primer disco aparece algo encubierto por las guitarras y bajos.
Donkey fue producido en Brasil por Adriano Cintra y mezclado en Los Angeles por Mike “Spike” Stente, quien ya trabajo con artistas de la talla de Madonna, Bjork y Massive Attack, entre otros. El álbum fue lanzado simultáneamente física (en CD) y virtualmente, a través del sitio del sello Trama, que además de ofrecer todo el disco para escucharlo y evaluarlo, permite que los usuarios lo bajen completo, tapa incluída.
Cansei de Ser Sexy es la banda brasilera de mayor exposición internacional después de Sepultura y promete continuar ascendiendo en esta selva peligrosa e imprevisible que es la industria fonográfica mundial.

Linkódromo

• Cansei de Ser Sexy en MySpace (donde pueden escuchar sus canciones).
• La web oficial de CSS.
• La web oficial del sello Trama y la web desde donde pueden descargar su segundo y más reciente disco.
• La web del Festival Lollapalooza, en Chicago, donde CSS se presentó el pasado 1 de agosto, y de donde tomamos prestada la foto que ven abajo.
  

Leonardo Parente es periodista, tiene 29 años y vive en Bahia, Brasil. Trabaja como asesor de prensa para la Municipalidad de Salvador (Bahia) y Gobierno del Estado de Bahia. Pueden leer otros textos suyos (en portugués) en el blog pare-porfavor y conocer su pasión por el periodista gonzo Hunter S. Thompson en este fotolog. Desde el piso 93 de Klamahama, le damos la bienvenida al Staff y agradecemos su aporte.

Ryan Larkin, el Frank Zappa de la animación

Señor pordiosero.
Pionero de la animación canadiense.
Nominado al Oscar.
Mendigo.
Artista entregado a la creación.
Dios observando el mundo.
Un angel caído.
Arrogante.
Tímido.
Roto.

Ryan Larkin nació el 31 de Julio de 1943. A principios de la década del '60 fue contratado por la National Film Board de Canadá, y reconocido por Norman McLaren de NFB como el artista joven más brillante de esa organización.
Norman tomó personalmente a Ryan como un protegido, y le dio los recursos necesarios para crear con total libertad. A mitad de la década Larkin ya comenzaba a hacer historia con los cortometrajes de animación Cityscape y Syrinx.

Tiempo después, sus películas Walking (producida en 1969, en un estilo hasta entonces nunca visto, nominada al Oscar como Mejor Cortometraje de Animación) y Street musique (creada en 1975, tan revolucionaria como la anterior) levantaron su status como uno de los más audaces y brillantes animadores de su época y llevaron el dibujo animado a un nivel altísimo de impresionismo surrealista.

Eran películas sin diálogos y con argumentos apenas delineados, pero de una belleza extraordinaria. Con ellas Larkin obtuvo el reconocimiento profesional del ambiente, pero también la celebridad, la fama y la presión. Se lo llamó "el Frank Zappa de la Animación", fue la estrella más brillante de la animación canadiense y toco el cielo con la manos.

Pero aquel día de gloria suprema, Dios no estaba en casa.
La presión por mantener el nivel de sus éxitos agravó su ya existente dependencia a las drogas y en 1978 dejó la NFB.
Ryan Larkin comenzó entonces una carrera en espiral descendente que lo llevó a un abismo demasiado oscuro para una alma tan luminosa. Durante más de diez años confusos, que él mismo describe como una "neblina", el más famoso animador canadiense se metió por la nariz sus obras de arte, sus esculturas, sus materiales de animación y su dinero. Tocando el fondo del pozo, vivió un año en las calles de Montreal, sin hogar, mendigando monedas en la vereda de la tradicional confitería Schwartz's.

Año 2004, Ryan según Landreth

El cortometraje animado "Ryan", que les presentamos en Klamahama, surge en este punto de su historia.
En esta inolvidable película, su amigo, admirador, y compañero cineasta Chris Landreth intenta contarle al mundo la vida de Ryan, su extraordinaria creatividad y las circunstancias que lo dejaron en la calle, viviendo como un paria. Era su intento por sacarlo del agujero y al mismo tiempo un escalofriante y sensible tributo en vida al artista que lo había influenciado, su "maestro" en las artes de la animación.
El video combina la voz real de Larkin, entrevistas a amigos y seres queridos con descarnados dibujos en 3D, cuyas apariciones son extrañas, humorísticas y hasta perturbadoras.
Aunque es increíblemente realista y detallado, el video fue creado y animado sin el uso de secuencias de acción en vivo, o de captura de movimiento. Un particular estilo de animación tridimensional que Landreth denomina "realismo psicológico".

De izquierda a derecha: a) Una foto de Ryan Larkin; b)Un modelo gráfico de computadora de Larkin; c) El dibujo que Landreth hizo de Ryan durante las entrevistas; d) La visión conceptual y surrealista de Ryan del video.

Por esta película obtuvo ese año el premio de la Academia al Mejor Corto de Animación. El mismo premio que no quisieron otorgarle a Larkin en 1969, una época en que quizás no era bien vista la irreverencia hippie en un evento tan formal como los premios de la Academia. La estatuilla se la llevó ese año la cinta "It's tough to be a bird", producida por Disney.
La aparición y éxito mundial del corto ayudaron a Larkin en el intento por volver a su carrera. Trató de dejar el alcohol y la cocaína, e incluso produjo algunos separadores para la pantalla de MTV.
Pero ya era demasiado tarde: Ryan Larkin falleció en Saint-Hyacinthe, Quebec, el 14 de febrero de 2007, después de una tremenda pelea contra el cáncer.
Como pasa siempre en estos casos, miramos a los costados tratando de entender, buscando inútilmente respuestas para las preguntas abiertas como heridas que sangran y duelen.

El video "Ryan" puede verse en el Screening Room de YouTube.
Acá te lo ofrecemos en dos partes:

"Ryan"

(Parte 1)

(Parte 2)

Estas son las tres películas de Ryan Larkin que tenés que ver para entender porque este post lleva la etiqueta Poesía.

Las obtuvimos de Taringa y las descripciones pertenecen a Carla.

Syrinx, 1965
(3 minutos)

Una antigua leyenda dice que Pan, el dios de los pastores (un poco feo, por cierto), quería y perseguía a una ninfa llamada Syrinx, que, como no le gustaba, huyó y se convirtió en caña para escapar de él. Incapaz de reconocerla entre tantas como había, Pan cortó; unas cuantas cañas en trozos de diferente longitud y fabricó con ellas una flauta. Con este instrumento tocaba melodías para consolarse de la pérdida de su amada. Syrinx es el primer film de Ryan Larkin, un joven artista de la escuela de Norman McLaren. Para ilustrar la antigua leyenda griega sobre la flauta de Pan, él utiliza varios dibujos hechos en carbonilla. Un film acompañado por la música de Claude Debussy, “Syrinx”, un solo para flauta.



Walking, 1969
(5 minutos)

En este corto de animación clásica Ryan Larkin presenta exactamente lo que dice el título, ni más ni menos que gente caminando. Gente de todos los estilos, hombres, mujeres y niños, cada uno caminando a su modo, resultando todos ellos naturales, a pesar de no ser más que dibujos en un papel. El estilo de dibujo es realmente artístico, deliciosamente psicodélico.


Street musique, 1971
(9 minutos)

Improvisación visual con música de un grupo de artistas callejeros. Las ilustraciones están a cargo de un joven animador que ve la vida con un ojo imaginativo y divertido. Su punto de partida es la música, pero su propio ritmo es más vivaz que los músicos en sí. Ryan Larkin se las arregla, en este corto, para ir desde la más complicada de las abstracciones a la caricatura de rituales comunes, como por ejemplo, la ducha. Un film sin palabras.


Este informe no estaría completo si no pudiéramos ver otras animaciones de Chris Landreth.
Así que te damos los accesos necesarios a tres de sus obras:

• Bingo the Clown
• The end
• The listener

Y si te quedaste con ganas de más, en Amazon podés comprar el video "Ryan" en una edición especial en DVD que incluye el documental Alter Egos del director Laurence Green, donde Larkin y Landreth conversan profundamente sobre la vida del desafortunado Ryan, al tiempo que ambos observan el corto que Landreth realizó en homenaje a su maestro. Alter Egos dura apenas 52 minutos, pero resulta un complemento maravilloso al corto "Ryan". Ambas realizaciones fueron hechas con sumo respeto y admiración, pero al mismo tiempo corre una suerte de acusación: el mismo Larkin se siente golpeado ante la franquesa con que Landreth lo describe en su corto, y lo hace con la cámara de Green mostrando en primer plano su rostro quebradizo, admitiendo su irresponsabilidad para consigo mismo, ante lo que es y lo que pudo llegar a ser.

Para elaborar este post utilicé las siguientes fuentes:

• National Film Board of Canada
• Taringa
• Psicofxp.com
• Drawn.ca
• Ley de casualidad

Links sobre Larkin

• Wikipedia
• Awn.com
• Imdb.com

Zapatos y fetichismo

Vivimos días de veneraciones extrañas, paganas según quien lo mire. Esto, al sagaz lector de Klamahama no le es ajeno. Lo que no siempre se advierte, es que ya visto todo el cine, escuchado las canciones y leído los libros necesarios, volvemos a casa y estamos solos. Como cuando llegamos al mundo. Solos frente al espejo, piel y sentimientos.
A partir de nuestra desnudez inicio esta columna, para vestirnos con la piel de otro, para meternos en el placard y conocer nuestros oscuros deseos, para hablar de lo que nos cubre y nos identifica. De ropa, de vestuarios, de indumentaria, de accesorios y demás chucherías que elegimos sólo para encontrarnos con alguien más, para salir de cacería, para hacer el amor.

Hoy: Zapatos y fetichismo

"Put on your red shoes
and dance the blues”
David Bowie

De todos los objetos que nos rodean a diario, los zapatos representan el fetiche más deseado por hombres y mujeres. En esta idea se basó el encuentro de ideas y creación entre el director David Lynch y el diseñador francés Christian Louboutin. El proyecto surgió de casualidad, cuando Lynch preparaba una exposición para la Fundación Cartier, y derivó en la creación –a manos de Louboutin– de una serie de zapatos exclusivamente como objetos de culto, extremadamente sensuales y fetichistas. Zapatos que luego fueron fotografiados por el cineasta con la misma atmósfera de pesadilla que define sus películas.
Los cinco pares de zapatos rojos, negros y rosas, destacados por los tacones, larguísimos y muy afilados, trepan por la pierna en redes y trenzas, desafían los límites de la estabilidad y desfiguran la naturaleza femenina en formas imposibles.
Los zapatos y las imágenes, que el mismo diseñador ha comparado con la serie Twin Peaks, fueron vistas el año pasado en la exposición "Fetiche", en la sala parisina Galerie Du Passage.

Para ver la imágenes en gran tamaño pichá sobre cada una.
O visitá nuestras galerías en Flickr.

"Por que algunos objetos son (…) otra cosa más, profundamente relativa al sujeto, no sólo a un cuerpo material que resiste, sino un recinto mental en el cual yo reino, una cosa de la cual yo soy el sentido, una propiedad, una pasión”, dice Jean Baudrillard en el libro “El sistema de los objetos”.
Esta pasión por los zapatos va más allá de su función. Algunos son símbolos, como la posesión, la identidad, la feminidad y hasta el poder, mostrando la personalidad de quien los lleva.

"Los ojos pueden ser el espejo del alma, pero los zapatos son la puerta de la mente” (Linda O’Keeffe en su libro “Zapatos: Un Tributo a las sandalias, botas, zapatillas”)

La forma del zapato de mujer, la forma que adopta el pie dentro de un zapato alto y el propio pie han sido considerados a lo largo de la historia como fetiches, como el zapato “de pie de loto” (que durante mil años torturó a las mujeres chinas obligándolas desde niñas a vendarse los pies para que éstos adquirieran una altura de siete centímetros –dedo mayor hacia abajo y talón bien alto–, como si calzaran zapatillas de baile de punta. Estos pies eran considerados la parte más erótica del cuerpo de la mujer, se diseñaban exquisitas piezas para lucirlos y el fetichismo masoquista masculino llegaba al punto de exhibir en bandejas los ejemplares que poseían sus esposas. La tortura entró en desuso cuando China se transformó en República, en 1912, y Mao se encargó luego de prohibirla.

Una vez le hice el amor
a un drácula con tacones:
era un "pop" violento que guió
el gran estilo siniestro.
Patricio Rey

Y en cuanto al taco... bien, allí radica el poder, hasta la sexualidad está en juego en esos centímetros. Dice Linda O’Keeffe: “Psicológicamente, los tacones le permiten marcar el paso en lugar de seguirlo, una mujer normal y corriente se transforma en una vampiresa capaz de conseguir que los hombres caigan rendidos a sus pies. (...) Físicamente, a una mujer le es imposible encogerse si lleva tacones, éstos la obligan a erguirse, a adoptar una pose, ya que anatómicamente su centro de gravedad se desplaza hacia adelante. La parte inferior de la espalda, la espina dorsal y las piernas parecen alargarse y el pecho se yergue, las pantorrillas y los tobillos se realzan y es como si las bóvedas de los pies fueran a echarse a volar en cualquier momento”.

Es todo por ahora. No olviden que aquello que nos fascina, nos apasiona, nos seduce y nos atrae, nos hace irresistibles.

Podés ver todas las imagenes en la Galerie Du Passage y en el sitio coolhunting.com.
La web de David Lynch.
La web de Christian Louboutin.

mdvalle es Diseñadora de Indumentaria. Lo que fue, es y será: docente en una escuela de diseño, diagramadora de un diario de Neuquén y la revista El Borde, creativa en publicidad y arte de tapa de discos. En MySpace expone sus graphic beats. Desde el 3 de julio es mamá de Uma :)

Discos elementales / Remain in light, Talking Heads

Discos elementales [004]
Escribe Claudio, Vagabundo resplandeciente

"REMAIN IN LIGHT"

Talking Heads, 1980

Los Talking Heads han sido calificados, en más de una oportunidad, y con evidentes aires ofensivos, como una banda de rock intelectual, siguiendo quizá aquella conclusión a la que arribó Charles Bukowski, de que un intelectual dice una cosa simple de un modo difícil, mientras que un artista dice algo difícil de un modo simple. Ciertamente, a mí no me agrada mucho esa etiqueta de “rock intelectual”, aunque resulta innegable que la música del grupo neoyorquino solidifica sus cimientos en base a conceptos musicales harto rebuscados que no habían sido muy explorados con anterioridad en la multiforme escena del rock. Sin embargo, también es preciso mencionar que durante su “auge” (y aún hoy, desde luego, aunque en muchísima menor medida), la misma música intrincada y supuestamente reservada a una elite, oficiaba de forzosa banda sonora en toda clase de fiestas y movidas nocturnas, dado que las complejas texturas que diseñaban Byrne y los suyos, incluían elementos acordes con “lo bailable”, tal como los acentuados riffs funkies, la (casi) ausencia total de ritmos distorsionados, las cautivantes armonías vocales y, como remate, los distintivos toques electrónicos.

La discografía del grupo –especialmente si consideramos aquellos trabajos en los que Brian Eno participó como productor–, tiene la nada desdeñable particularidad de ser realmente muy sólida; en otras palabras, los Talking Heads no han dado paso en falso alguno a lo largo de toda su carrera (si bien sus últimos tres discos, a mi juicio, no estuvieron a la altura de sus precedentes, de ningún modo puede considerárselos de baja calidad ni mucho menos). Ergo, no es tarea sencilla seleccionar sólo un álbum de tan valiosa producción. Si me inclino por Remain in light es simplemente porque estimo que en este álbum el grupo logró la cumbre de su madurez, el pináculo del proceso de evolución musical que venían desarrollando desde Talking Heads: 77.
Introduciéndonos de lleno en el mismo, la extrañeza que uno siente cuando escucha por primera vez el tema que abre el disco, “Born under punches (the heat goes on)”, no es comparable con nada que exista en este mundo; y si no se está familiarizado con la música de Talking Heads, ni les cuento.

Desde ese “ah” que grita Byrne ni bien comienza a sonar el riff funky hasta esos efectos sonoros tan enrevesados e incluso disonantes que se suceden sin interrupción por espacio de casi seis minutos frenéticos, todo el tema es un conglomerado sónico tan poco convencional, que por momentos resulta hasta imposible distinguir qué instrumentos estamos escuchando. La originalidad llevada a su máxima expresión.
Más digerible para no iniciados resulta “Crosseyed and painless”, un tema en el que también se percibe una tremenda mezcla de sonidos, pero que, gracias a una melodía vocal más estructurada, termina volviéndose menos complejo que su antecesor. De hecho, hasta el estribillo es bastante pegadizo:

There was a line,
there was a formula.
Sharps as a knife,
facts cut a hole in us.

Luego irrumpe, según mi entender, la composición superlativa del disco: “The great curve”, en la que sobresale, ante todo, la impresionante y heterogénea percusión que se adueña completamente de la sección rítmica. No obstante, también logran colarse (y destacarse), promediando la canción y sobre el final, los característicos solos a cargo de la virtuosa guitarra de Adrian Belew, para redondear lo que bien podría denominarse como una experiencia auditiva hipnótica, furibunda y susceptible de provocar un estado de embriaguez rítmica.
En cuarto lugar llega “Once in a lifetime”, indudablemente el máximo hit que los Talking Heads hayan tenido jamás; a la postre, y por ende, su canción más emblemática también. Si bien no posee la enmarañada arquitectura sonora de los temas que le anteceden (sí conserva la presencia de ritmos africanos), se trata de una auténtica joya que desprende un sonido precioso que resulta muy agradable a los oídos. Más allá de lo notables que son algunos riffs de guitarra, o de lo bien que suenan esos efectos electrónicos del principio, me figuro que la fortaleza del tema radica en el espléndido estribillo de una punzante letra que se revela como crítica al american way of life:

Letting the days go by,
let the water hold me down.
Letting the days go by,
water flowing underground.
Into the blue again,
after the money’s gone.
Once in a lifetime,
water flowing underground.

Esta primera mitad consigue tal grado de excelencia, que forzosamente acaba por opacar a los cuatro números que le siguen, pese a que todas éstas canciones son, cuando menos, eclécticas e interesantísimas. Recalco las melodías que Belew nos regala en “Listening wind”, amén del pegadizo y melódico estribillo que con tono fúnebre canta Byrne, y la lentitud atmosférica (propia de la música ambient que Brian Eno ya venía desarrollando desde años anteriores) de “The overload”.
Con toda probabilidad, no sea un trabajo destinado a un consumo popular y masivo. Tal vez tampoco resulte fácilmente asimilable para una porción mayoritaria de seguidores de la new wave más cercanos a la propuesta de The Police (menos aún para otra clase de público, es evidente). No obstante, la relevancia anticipatoria que ostenta este álbum es imposible de calcular, pues introdujo un concepto de cosmopolitismo musical, interesado por explorar la influencia de exóticas y disímiles clases de música étnica, no muy abordado hasta entonces, a la par que asimismo fue pionero en lo referente a la introducción de programaciones digitales de sonidos.

Esta reseña es original del blog
Vagabundeo resplandeciente.

Extraño

Cuando puse a andar Klamahama lo hice intuitivamente, con muchas dudas y nadie con quien chequear si lo que iba saliendo era una porquería o no.

Cuatro meses después el blog dejó el anonimato y pasó a una etapa en la que crece día a día, en textos, en ideas, en calidad, en visitas.

Pero tengo que ser sincero: en lo personal, nada de eso me satisface más que haber encontrado en el camino a tantos desconocidos que decidieron subirse al barco para compartir la locura.

Y aunque suene extraño, hoy me gustaría estar con ustedes y poder abrazarlos y decirles gracias por la compañía y la buena energía que comparten.

FELÍZ DÍA, AMIGOS...! ! !

Que de la red pasemos un día a un bar y detrás de una copa confisquemos la alegría por unas horas.
Se los quiere, che.
No se pierdan.
Cariños para todos,
Ariel


A Miriam, Claudio, Abel, Chelo, Alejandro, Luc, Duda Desnuda, Elena, Gabriel, Quique, Dana, Fernando, Luzie, Pocha, Arha, Luis, Lilian, Juan Bautista, Cel, Lucy in the sky, Lucas, Carica, Lale777, Gip, José María y tantos más que no dejaron señales cuando salieron, pero agradecemos de su paso. A la mamá de Uma se lo digo personalmente!

La salud de W.R.

[Iluminaciones 03-cr-2/008]

12. “Sobre un nuevo tipo de rayos, una comunicación preliminar”.
Informe ante la Sociedad Físico-Médica de Würzburg.
Noviembre, 1895

No pienso: investigo. Una hoja de papel recubierta con platinocianuro de bario se ilumina cada vez que la corriente eléctrica pasa a través de un tubo.
El resplandor continúa sin que la luz incida sobre la placa, en plena oscuridad.
Eso es todo.
Un agente desconocido atraviesa la cartulina, llega hasta la placa y activa en ella su fluorescencia.
Quien cree en un invento se equivoca.
Se trata de un fenómeno, diríamos, casi poético: donde se fragua un rígido programa.
Cualquier ojo instruido en la luminiscencia que se acerque y explique.
Historiografía de la luz.
Una radiación X penetra el espesor de un material sin ser absorbida o se dispersa, de acuerdo a su energía y longitud de onda, respecto de la naturaleza del material que los rayos barren en su camino.
El sol de invierno es débil y no logra excitar la fluorescencia para que ésta genere rayos X que atraviesen la cubierta protectora, pero ya se verá.

13. Exposición de campo.
Urpflanze: protoplanta “Esta máquina en la que se retratarán mis huesos y pulmones ofrece poco del elemento decisivo, el centro en la cuestión: el gesto.
Yo, el pequeño Franz, soy un gesto en la mano de mi padre.
El gesto es el movimiento que hace la mano cuando firma.
Es el poder de mi padre que se apoya en el papel.
Es él: su peso específico, en la firma, se hace legal.
Yo desaparezco.
Rayos equis: Roentgenstrahlen: un vaciamiento también equis de mi cuerpo.
¿Eso que se ve en la placa es la materia excedente?
¿El negativo de mi vida?
Dentro mío, doctor, no queda nada. Soy una caverna.
Esos hilillos en la exposición pintan el cuadro anónimo de una estructura que nació para ser vencida. Que hoy se releva.
Una actividad eficaz elevada por el rigor de un sistema fundado en la razón.”

14. Negerplastik. Buda, 1896.
Exhumación de una memoria óptica.
De los hermanos Lumière a los rayos catódicos.
Dos meses después del descubrimiento de Roentgen, un eminente físico húngaro, Endre Högyes, publicó un artículo en una revista médica de su país en el que sugería que la nueva técnica podría ser aplicable en el campo de la medicina.
Su trabajo, titulado “Fotografía del esqueleto a través del cuerpo por el método de Roentgen”, se ilustró con una serie de notables radiografías, entre ellas la de un esqueleto de rana africana.

C.R.

Capítulo dedicado a José María que nos lee desde Ezeiza entre Lovecraft y Laiseca... gracias Dire!!

Retazos / Volar

Para ver la imagen más grande, pinchá sobre el dibujo.
O visitá nuestra galería en Flickr para ver el Retazo anterior.

Alto vuelo en esta edición de los Retazos de Chelo Candia. El artista allense nos ayuda a soportar el frío del invierno a fuerza de imaginación, trazos mordaces y exquisitos colores.

El fragmento pertenece al tema Canción para los días de la vida de Luis Alberto Spinetta, incluido en el disco A 18' del sol, de 1977 (este dato no es menor, mirá bien el almanaque).

Esperamos los comentarios respectivos. Pueden hacerlo abajo, al final de ésta entrada, pinchando el link "Agregá tu comentario".

Por si te quedás con ganas de Candia, podés visitar su blog chelocandia.blogspot.com y terminar con un saludable empacho con sus historietas.

Volar, por Chelo Candia

La canción es, a mi juicio, uno de los temas más hermosos que se hayan compuesto jamás. Mi encuadre es: "Tengo que aprender a volar entre tanta gente de pie" y es el primer trabajo digital que hago con mi flamante tableta Wacom, con la ayuda de Photoshop y Corel Painter.
Un abrazo.
En unos dias también lo subo a mi blog, contando la participación en Klamahama.
Saludos a uma guma.
El Chelo.